Las 15 mejores canciones emo de 'Where Are Your Boys Tonight' de Chris Payne

Payne cuenta la historia de la década cubierta en su estelar historia oral emo de los 2000 a través de canciones de Dashboard Confessional, Fall Out Boy, Paramore y más.

Por Andrew Unterberger

Desde espectáculos en sótanos hasta una suite de fantasía en los MTV Video Music Awards, ¿Dónde están tus chicos esta noche? de Chris Payne. The Oral History of Emo's Mainstream Explosion 1999-2008 rastrea la evolución de la tercera ola de emo a medida que se convierte en uno de los géneros de rock y culturas juveniles que definen a principios de la década de 2000.

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Recordado por quienes lo vivieron desde el escenario, el foso y todo lo demás, ¿Dónde están tus chicos esta noche? es una lectura vívida y sin aliento que lo hará revivir innumerables momentos que puede o no haber vivido la primera vez. Sentirás el frío punzante fuera del espectáculo de la estación de bomberos de Jersey en el cambio de milenio, y el crujido claustrofóbico dentro de la factura sobrevendida de Chicago a mediados de los años 2000, e incluso el subidón social de estar en el bar de celebridades de Nueva York en la última década. Y, por supuesto, recordarás las bandas: innumerables minipandillas reunidas por la desesperación suburbana y un exceso de sentimientos adolescentes, algunas con la ambición de convertirse en las estrellas de rock más grandes del mundo, y algunas con la esperanza de algún día tocar para un un par de cientos de fanáticos en el salón VFW local.

Si bien la energía del libro es embriagadora a medida que atraviesa diferentes puntos de avanzada de The Scene a lo largo de la década cubierta, y finalmente ve que se vuelve nacional en la radio, MTV y un sinfín de portadas de revistas, el espíritu de este sigue vivo en las colecciones de CD y vinilo. y listas de reproducción de Spotify y Apple Music de las personas que vivieron y amaron la música en su esencia. Es una historia que no se puede contar sin sus canciones, ya sean clásicos perdurables que cambiaron la cultura o gemas más olvidadas que, sin embargo, fueron esenciales en la era que se convirtió en lo que fue. Con ese fin, Payne ha elegido las 15 canciones que mejor capturan los años detallados en su libro y que mejor definen un momento que todavía resuena en audiencias de todas las edades (e incluso en grupos demográficos más amplios) 15 años después de que terminó de manera extraoficial. (Divulgación: Payne es un exautor de Billboard y un amigo desde hace mucho tiempo).

Aquí están las selecciones de Payne, presentadas en sus propias palabras, en orden cronológico aproximado. La entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad. ¿Dónde están tus chicos esta noche? sale hoy (6 de junio) en Harper Collins.

Para la narrativa del libro, quería conectar el material emo convencional de la tercera ola con la ola anterior de emo. La gente hoy en día simplemente usa el término general "emo del Medio Oeste" para hablar de todo eso, aunque no todo sea del Medio Oeste. Así que cosas como Braid, American Football y Promise Ring. Get Up Kids, más que cualquiera de ese grupo de bandas, se siente como el que se extiende a la era emo de la que trata mi libro.

"Ten Minutes" es una canción extremadamente pegadiza y bien construida. Y al hablar con mucha gente de entonces, realmente parecía que había una exageración tangible en torno a que Get Up Kids era una banda de pop, más que cualquiera de las bandas que se les ocurrieron. And Something to Write Home About, ese álbum vendió unas 200.000 copias en su primer año para Vagrant, un sello independiente. Puso a Vagrant en el mapa, lo que terminaría siendo quizás la etiqueta de los primeros años de mi libro.

Esta canción salió en 1999. El siguiente álbum de Get Up Kids no fue hasta el 2002, un álbum llamado On a Wire, y era más un álbum de indie-folk. Y a partir de ese momento, Get Up Kids nunca se convirtió realmente en la banda pop que mucha gente pensó que podrían ser en el 99. Lo cual creo que se debe mucho más a las decisiones que tomaron, al no querer ser esa banda pop cruzada, que a algo que hicieron mal o calcularon mal. Pero aun así, esta canción se siente como la mejor canción pop del primer álbum de esta era que se siente como si pudiera haber sido un gran álbum pop.

Una de las escenas que amo en el libro es la banda que aparece con el autobús en el gran show de Jersey y les muestra a todos en la escena que esto es posible. El simple hecho de subirse al autobús es un gran problema para todas estas bandas, y te muestra cuán modestas eran las aspiraciones en ese momento.

Sí, era como si me gustara tocar en un salón VFW o en una estación de bomberos. Pero a menudo me gustan 500 niños de escena. Entonces, cuando digo "solo", todavía es como, "Maldita sea, son tantas personas". Lo cual creo que es realmente genial y realmente habla de cuán vibrantes eran estas escenas. Porque un programa como el del que acabas de hablar, fue reservado básicamente por niños. No era como una producción de Live Nation. Eran niños alquilando un PA de Guitar Center o algo así, alquilando un Elks Lodge, y un par de niños diferentes reuniendo a un grupo de bandas que pasaban por Nueva Jersey al mismo tiempo. Y dio la casualidad de que la escena era tan vibrante en Nueva Jersey en ese momento, que muchos niños estaban entusiasmados con ella.

Creo que un gran tema para mi libro, mirando hacia atrás, es básicamente, "Las bandas de hardcore se vuelven más pop". Eso es todo. Si alguien quisiera ser gerente y retroceder en el tiempo hasta 1999 y ganar un montón de dinero, eso podría haber sido como el discurso del ascensor. Como, "busca bandas de hardcore, hazlas más lindas y pop".

Esta canción es de Through Being Cool, que salió en 1999, todavía un par de años antes de que yo estuviera en esta escena. Yo tenía 10 años ese año. Así que realmente quería hacer mi diligencia debida al hablar con mucha gente, especialmente en Jersey, que estaban participando en la escena en ese momento, para poder hacer las cosas bien con el escenario. Y tantas cosas volvieron a Saves the Day, Through Being Cool. Hay algunas bandas en las que creo que, al contar la historia, parece que fueron como las primeras grandes, pero Jersey fue la escena más grande, la escena más importante de esta era. Y para el '99, el año en que comienza el libro, la banda más grande fue Saves the Day.

Este álbum es como un pararrayos para la discusión. Como que la gente hablaba mucho de que la banda tenía una foto de sí mismos en la portada, en lugar de ser como un álbum de hardcore en blanco y negro con aspecto de enfado. Y ya sabes, tener toda la historia de la banda siendo incómoda en una fiesta, tratando de hablar con las chicas en las notas del transatlántico, muy emblemático de la escena en ese momento. Y la letra de esta canción también es muy emblemática de lo que se copiaría muchas, muchas veces con bandas en esta escena con ese género, esa especie de subgénero de letras tipo "mata a tu ex novia con una motosierra". Entonces, para bien o para mal, este álbum y esta canción realmente establecieron el tono de mucho de lo que vendría con el género.

Estás hablando de que recibieron una mierda por la portada; parece que sus elecciones de moda tal vez recibieron tantas críticas como sus ganchos pop o algo así. Se puso mucho énfasis en ellos simplemente usando ropa de persona normal.

Sí, y creo que eso también es lo que ayudó a que la escena se hiciera tan grande. Porque trajo más gente a la tienda. Simplemente se ven como niños promedio de secundaria. Creo que para los niños promedio de los centros comerciales en los suburbios, se sentía más como, "Oh, esta banda podría ser yo". Versus tal vez como una imagen de Snapcase, o Earth Crisis o algo así.

Entonces, lo que quería hacer mucho con este libro era ver cuánto de la leyenda que se ha transmitido realmente se siente real, al hablar con muchas personas que realmente estuvieron allí. Y leyendo sobre esta música a lo largo de los años, hay mucho de "Oh, Dios mío, cuando el video de 'Understanding In a Car Crash' salió en MTV" - MTV2, técnicamente - mucha gente dice: "Ese fue el momento en que el shows en el sótano, el underground se rompió". Así que estaba pensando: "Vamos a profundizar en eso. ¿Qué tan cierto es eso?"

Resulta que era bastante cierto. Como veremos, hay un par de canciones muy importantes que salieron en 2001. Pero en realidad para una banda que vino del underground de Nueva Jersey, de esta escena del sótano súper ahora mitificada, Thursday recibió una canción en MTV2. – donde hay un tipo en una banda en pantalones cortos tocando en el escenario en el video – eso fue bastante loco. Y creo que hizo que mucha gente en la corriente principal se abriera a la idea de que "la música rock pesada con gritos tiene un lugar en la corriente principal".

Algunas personas en el libro hablan sobre la importancia de que las letras de Geoff Rickly no sean "canciones sobre chicas". ¿Fueron la primera gran banda en esta escena en ser así? ¿Fueron los primeros en tener cosas más elevadas en mente?

Sí, no son letras de "Mata a tu novia con una motosierra". Geoff, líricamente, estaba realmente influenciado por las bandas de DC hardcore, obviamente Fugazi, también cosas como Q y Not U, muchas bandas que tenían un mensaje más profundo e inteligente. Además, creo que Geoff provenía de un hogar muy estudioso. Estoy bastante seguro de que sus padres le pusieron el nombre de Geoffrey Chaucer. Así que de ahí venía.

Y un poco por accidente, Thursday se convirtió en la banda que llevó eso a la corriente principal. El jueves no estaba tratando de ser como, "Está bien, aceptaremos los coros, los gritos intensos y las averías y ganaremos dinero". Creo que lo suyo era más como tratar de filmar para hardcore más Joy Division. Pero no dieron en el blanco y terminaron accidentalmente con esta cosa que terminó conectándose accidentalmente con un montón de gente.

Rickly es una figura tan interesante en este libro. Es uno de los principales participantes como líder de la banda, pero también puede hablar desde la perspectiva de un sello discográfico y de A&R, como productor, y está conectado aleatoriamente con un montón de otras figuras en esta historia. ¿Era él la última figura conectora de este momento? ¿Le pareció así cuando lo estaba entrevistando?

Sí, para mí, mientras trabajaba en este libro, Geoff Rickly era el sueño de un entrevistador. Y creo que más que cualquiera de estas otras bandas, Thursday es realmente el tejido conectivo entre todo. Entre la escena del sótano y las salas de A&R de las principales discográficas, entre el hardcore y las cosas pop, Thursday es el tejido conectivo entre todo eso, más que nadie.

¿Crees que la gente se da cuenta de eso, dales crédito por eso hoy?

Eso espero. Quiero decir, en muchos sentidos me sentí así con ellos cuando me metí en ellos por primera vez en 2003, 2004. Leer junto con la letra de una canción como "Understanding In a Car Crash" o "For the Workforce, Drowning", que es mi canción favorita de los jueves, te abre la mente en el sentido de "Mierda, casi ninguna de las otras bandas en mi estante de CD está escribiendo así".

Todo sobre Dashboard se siente tan orgánico, mirando hacia atrás en esto. Como, se ha dicho mil millones de veces: "Oh, Dios mío, fue una locura que un tipo acústico solo tocara en espectáculos punk". Fue una de las cosas que, sí, se siente como un cliché si has leído mucho estas cosas, si realmente te gusta esta música. Pero es como, muy cierto.

"Screaming Infidelities" es la canción más grande de esa era de Dashboard, cuando solo era Chris Carrabba y una guitarra acústica. Y fue tan orgánico: Fiddler Records, Amy Fiddler, que dirigía el sello, solo tenía distribución local para tiendas en Florida, por lo que no tenía ninguna distribución nacional para obtener el álbum en Chicago o Jersey ni nada. Y gran parte de por qué se hizo grande es porque los niños lo compartieron en Napster después de verlo en vivo, o incluso sin verlo en vivo, ya que Napster solo estaba cobrando fuerza.

Es divertido más adelante en el libro, después de que Dashboard firma con un sello importante y están tratando de que Chris filme un anuncio contra la piratería, y él dice: "No puedo hacer eso, esta es mi gente". Fue una gran cosa en ese momento, tratar de reducir el intercambio de archivos, pero su libro argumenta que la escena no podría haber sucedido de la misma manera sin él.

Sí, el intercambio de archivos es como: tener todo este tiempo para mirar hacia atrás ahora, obviamente está bien documentado cómo derribó las ganancias, al menos durante un tiempo, en la industria. Pero también artistas como Dashboard, nunca habrían tenido una carrera si no fuera por Napster. Si Napster no existiera, o si Dashboard hubiera comenzado como en el 96 en lugar del 99, probablemente nunca habría ido más allá de ser algo local en Florida.

Una de mis escenas favoritas del libro es cuando se enfrentan a los Strokes por el premio MTV2 en 2002 en los VMA. Termina siendo un gran momento con ellos ganan. Obviamente, su libro será comparado con Encuéntrame en el baño porque, en muchos sentidos, es una especie de imagen especular: es lo que está sucediendo al otro lado del río, con la escena no tan genial de los niños de Nueva Jersey versus como los chicos hipster de Nueva York. Y hay momentos divertidos en el libro como este donde las dos escenas se superponen por un breve segundo. ¿Qué significó ese momento, tal vez ni siquiera para Dashboard, sino para sus fanáticos o la escena, que se enfrentaran entre sí y que Dashboard se llevara el premio a casa?

Sí, para mí cuando era niño, sabía que The Strokes eran una cosa, pero no parecían una gran banda de rock. Definitivamente se sintieron grandes en las revistas. Ellos, y bandas como Interpol y Yeah Yeah Yeahs, esas primeras bandas principales de Meet Me in the Bathroom, definitivamente estaba al tanto de ellos. Probablemente los White Stripes me parecieron los más grandes de todos en ese momento. Pero para mí y mis amigos y niños que conocía, una banda como Dashboard o Thursday o Fall Out Boy se sentía mucho más grande. De alguna manera, probablemente haya métricas que respalden eso, y en otras formas, probablemente no estaba al tanto de cuán importantes eran The Strokes.

Pero sí, estabas hablando del río como este separador, y a pesar de lo cerca que estaban los suburbios y la ciudad de Nueva York, realmente se siente como dos mundos diferentes en términos de lo que tenía influencia. Y también, algunas de ellas eran bandas que tocaban en espectáculos para todas las edades, cosas que eran accesibles para los niños de los suburbios, en comparación con bandas en la ciudad de Nueva York que tocaban en espectáculos para mayores de 18 o 21 años. Y también era caro y tomaba mucho más tiempo de lo que pensarías para llegar a un espectáculo en la ciudad en Webster Hall o Mercury Lounge, si venías del centro de Nueva Jersey.

Entonces, obviamente, vamos a hablar de éxitos más grandes que este, pero ¿crees que Dashboard, y tal vez esta canción en particular, sigue siendo la imagen que la mayoría de la gente tiene en su cabeza cuando escuchan la palabra "emo"?

Creo que la gente de cierta edad. Creo que tal vez las personas que estaban en el último año de la escuela secundaria en el 2002. Para ellos, cosas como My Chemical Romance y Fall Out Boy son quizás algo más, es un poco demasiado pop, y ven al emo como algo más en contacto con el punk. Que, ya sabes, Dashboard es.

Entonces, en una iteración inicial de mi propuesta, la estructuré comenzando con Jimmy Eat World. Debido a que "The Middle" es una gran canción, obviamente, el primer verdadero éxito del top 40 pop de esta escena. Y yo estaba como, "Oh, la narración es tan perfecta: es una banda emo de los 90, de Arizona, firmó con Capitol Records y fue descartada, pero tenía estos álbumes clásicos de los 90. Y luego salieron en su propio centavo y se reinventaron a sí mismos. Oh, sí, esta es la narrativa, esto tiene mucho sentido ". Y son como mi banda favorita. Bleed American fue el primer disco que compré con mi propio dinero.

Pero como estaba diciendo con las cosas que me preceden un poco, realmente quería que fueran auténticas. Y cuanta más gente de los 90 que formaba parte de la escena con la que hablé, más se sentía como si Jimmy Eat World se hiciera grande con "The Middle" se sentía, como, tan fuera del campo izquierdo. La gente estaba tan emocionada por ellos, pero se sintió tan inesperado. Mientras que el núcleo de la escena era realmente, y de lo que hablaba la gente, qué bandas estaban reescribiendo sus álbumes para sonar más, eran cosas como Saves the Day y Thursday. Estas bandas estaban realmente donde estaba el núcleo de esta narrativa alrededor del '99, 2000.

Mientras que Jimmy Eat World es una especie de estrella inesperada que aparece justo en el escenario, en algún lugar de 2002. Así que traté de reflejar eso en mi libro y hacer que aparecieran de la nada, de Mesa, Arizona, alrededor de 100 páginas en.

Siento que este álbum y la canción son amados universalmente en este momento, pero en ese momento fue atacado salvajemente en Pitchfork, probablemente en un montón de otras publicaciones de ideas afines. ¿Por qué crees que Jimmy Eat World, incluso como una de las bandas más reflexivas y accesibles de esa escena, todavía se consideraba un anatema de Pitchfork en ese momento?

Porque son tan serios. De hecho, recuerdo la primera vez que alguien me mostró Pitchfork, recuerdo buscar a Jimmy Eat World porque eran mi banda favorita, y me sorprendió que no le gustara Clarity. Porque estaba tan acostumbrado a eso, incluso si a alguien no le gusta Bleed American, aún le encantaría Clarity. Eso parecía aceptado. Y también porque prácticamente todo lo que leía eran publicaciones punk en ese entonces. Estoy totalmente en desacuerdo con la reseña; estoy bastante seguro de que fue Ryan Schrieber quien la escribió. Pero creo que es una reseña bastante divertida y bien escrita.

Pero sí, algo que era serio era algo que iba a alterar las plumas de esa multitud de la ciudad de veinte y tantos. Hay una muy buena cita de Ian Cohen en el libro, de cómo la gente pensaba que el punk "se había corrompido". Y realmente creo que así es como se sentían muchos de los escritores musicales de 20 y tantos años de la ciudad de Nueva York o Chicago. El hecho de que ya no estaba realmente atado a la política. Y se trataba tanto de uno mismo. Creo que muchos de los chicos punk de la Generación X y de los 90 estaban cabreados por eso. Y probablemente también se sintió alienado y viejo, para ser honesto.

Hombre, The Used es tan importante. Y realmente no me di cuenta de eso hasta que comencé a trabajar en el libro. "Taste of Ink" de su álbum homónimo, '02, un álbum clásico. No le di la oportunidad suficiente cuando salió. Conocía "The Taste of Ink" y compré su segundo álbum, pero no pasé mucho tiempo con él. El primer álbum es como, muy hábilmente producido, pero también tan crudo y retorcido. Simplemente clava ese equilibrio.

Creo que la línea directa de Thursday a MCR es bastante conocida en este punto, como "Thursday, la banda que te trajo MCR". Cual es verdad. Pero la otra cara de la moneda en cuanto a la banda que hizo MCR es The Used. Por ejemplo, al hablar de cómo es la tercera o cuarta banda que entra por la puerta la que se hace grande: The Used fue la que estaba justo antes de MCR, y se hicieron bastante grandes durante un par de años. Bert estuvo saliendo con Kelly Osbourne durante medio minuto y estaba en The Osbournes, que era un gran programa en MTV en ese momento. Y "The Taste of Ink" fue una canción de gran éxito, y creo que el éxito de la misma realmente abrió las puertas a la música post-hardcore chillona en la corriente principal. Incluso más que el jueves.

La gente habla en el libro sobre cómo Bert y Gerard Way de MCR tenían una especie de coqueteo físico que no era necesariamente sexual, donde se besaban o se tomaban de la mano frente a extraños, pero lo hacían como provocadores y empujando botones. de esa manera. No se habla mucho en el libro sobre figuras que eran abiertamente homosexuales en ese momento; mientras que muchas de estas bandas adoptaban una estética semiandrógina o de flexión de género, hay muy poca discusión sobre la realidad queer. ¿Crees que cosas como Bert y Gerard besándose se sentían más progresistas o regresivas en ese entonces? ¿Y había alguna presencia LGBTQ real en la escena en ese momento?

Es una pregunta extremadamente complicada. Eso es como un ensayo de 10,000 palabras en sí mismo. Quiero decir, la escena era súper regresiva y hacía cumplir las normas de género tradicionales de muchas maneras. Pero luego, como dijiste, tenías estas bandas como The Used y MCR que usaban maquillaje y definitivamente no vestían tradicionalmente masculinos. Y Gerard y Bert besándose para las cámaras, quiero decir, no creo que haya animado a nadie a salir, al menos no en grandes cantidades, desafortunadamente.

Lo cual es una pena, porque creo que este tipo de cosas, y la gente simplemente viendo a Gerard a través de los años y la figura que ha sido y lo que ha significado para esta música, definitivamente ha hecho que esta escena sea mucho más diversa. Si ves a MCR en vivo, o si solo vas a When You Were Young o a un festival como Adjacent Fest, obviamente es una escena muy extraña ahora, especialmente si es un espectáculo en el que toca MCR. Lo cual es increíble, y creo que honestamente es por eso que la escena todavía se siente importante y todavía se siente como si significara algo.

Dicho esto, es extraño cómo fue, de alguna manera, empujar el sobre con el género y cómo las personas se presentan en ese momento, pero también fue realmente homofóbico. Por ejemplo, hablé mucho con Buddy Nielsen, el cantante de Senses Fail, para el libro: es alguien en el libro que no salió hasta la década de 2010. Y le pregunté: "¿Hubo mucha gente que estuvo en la era de los '00?" Y apenas podía pensar en nadie. Y él dijo: "Sí, si saliera como en los 2000 en lugar de a mediados de los 2010, probablemente habría sido malo para la carrera de Senses Fail".

Mencionaste que Bert y Kelly Osbourne son una cosa. Es divertido, el tipo de cruce pop de algunas de estas bandas emo: no era solo una cosa de la radio, era una cosa de visibilidad, casi una cosa de TMZ. Tienes parejas poderosas como ellas, y Pete Wentz y Ashlee Simpson, incluso Travie McCoy y Katy Perry por un minuto. ¿Cuánto del cruce de emo a la conciencia nacional fue que hizo buenas celebridades?

Quiero decir, definitivamente tiene mucho que ver con por qué creció en los 2000 y no en los 90, ¿sabes? Es como si Cap'n Jazz definitivamente no estuviera saliendo con nadie famoso. Tal vez si lo hicieran, entonces el fútbol americano habría obtenido su merecido en su momento.

TBS se siente como la escuela secundaria. En muchos sentidos todavía lo hacen, con cuántos miembros han dejado esa banda y se han unido a ella, y las disputas a lo largo de los años. Y gran parte de Tell All Your Friends es como, él dijo, ella dijo, y simplemente basura de ida y vuelta. Este es uno de esos álbumes que realmente marcó la pauta para todo lo que vino inmediatamente después. En términos de álbumes en los que, tan pronto como el álbum sale, cada banda en la escena dice: "Oh, mierda, la escena va en esta dirección ahora, tenemos que reescribir nuestro próximo álbum". Cuando salió este álbum en el '02, este era el punto de referencia para las bandas de escena.

Es divertido, mirando hacia atrás ahora, muchas de estas canciones y esta en particular, se siente como lo que mucha gente ahora ve como lamentable sobre la escena, en términos de la mezquindad y la misoginia. , y el horneado tiene un poco de malas vibraciones. Pero no parece que duela el cariño que la gente le tiene a esta canción 20 años después.

Bueno, la razón obvia es que los miembros de Taking Back Sunday nunca fueron acusados ​​de lo que fueron acusados ​​Jesse Lacey o Brand New. Pienso en términos de cruzar líneas, ya sabes, no tengo todas las letras en la cabeza, pero creo que, de manera general, cubre ese territorio de estar en la escuela secundaria y simplemente tener emociones angustiosas. sobre citas y amigos que necesitas para salir. Tal vez esté usando algún tipo de imaginería violenta, que no es la mejor manera de expresarlo y, con suerte, si ya no eres un adolescente, habrás encontrado formas más saludables de expresarlo. Pero creo que para la gente de esa edad, tener música para sacar la angustia adolescente es solo una parte de tener 15 años o lo que sea.

La enemistad entre TBS y Brand New, se intensificó, disminuyó y luego volvió a intensificarse, y finalmente se volvió extremadamente territorial. ¿Alentó un poco toda la escena tener este tipo de facciones en guerra en las que podrías identificarte con una u otra? Parece que casi todos los grandes movimientos de rock de los últimos 40 años han tenido ese tipo de lucha de "Oh, o eres una persona de esta banda o eres una persona de esa banda" en su centro.

Creo que la rivalidad todavía tiene mucho que ver con la razón por la cual la gente se entusiasma con las canciones de Taking Back Sunday. Por ejemplo, si los ves de gira este verano, estoy seguro de que una de las canciones que mejor suena será "No I in Team", y esa canción estaba escrita sobre Jesse Lacey. Era el tipo de cosa en la que si ibas al espectáculo con tu amigo, que recién estaba entrando en escena y escuchó un par de canciones pero no sabía nada sobre Taking Back Sunday, simplemente estarías como, "Oh, sí, y hay otra banda de Long Island que está empezando a ser popular llamada Brand New, y esta canción, déjame tocarla para ti, esta canción es sobre el cantante..."

Inmediatamente hay una narrativa, hay un gancho que te atrae, aparte de simplemente, "Oh, aquí hay un álbum, las canciones son buenas". La narrativa siempre es muy importante para atraer a la gente a la música. Y este definitivamente tiene partes desagradables y partes que son bastante cursis en retrospectiva. Pero la rivalidad fue muy real, definitivamente durante algunos años a principios de los 2000.

La forma en que me acerqué a Brand New en el libro, lo expuse todo en la apertura del libro, donde digo: "Mi objetivo era mostrar dónde y cómo Brand New impulsó la narrativa de cómo el emo se vuelve enorme sin glorificar al propio Jesse Lacey". Y le dije cuáles eran las acusaciones en su contra. Es el tipo de cosas en las que, si estuviera escribiendo una lista para un sitio web de las mejores canciones de una era, probablemente no le daría espacio a Brand New en este momento. Porque ¿por qué glorificarlo más? Pero para escribir el libro, no hay forma de que puedas contar esta narrativa sin hablar sobre Brand New y hablar sobre su influencia. Sobre todo porque es una historia oral.

Su atractivo es tan culto y específico que es difícil expresarlo con palabras. Y para mí, esta canción captura eso al máximo. Es tan impulsado por la letra durante gran parte de la canción. Los primeros dos minutos más o menos, es solo una canción muy, muy escasa con solo un poco de guitarra, apenas percusión... y este sería un momento así en un espectáculo en vivo, de niños cantando y comiendo esta mierda. . Siento que debe ser muy extraño descifrar si no estuvieras cerca. Porque es como, "¿Este tipo es real con esto? ¿Realmente está diciendo: 'Soy un enviado del cielo, no te atrevas a olvidar'?"

Para mí y cómo me siento acerca de esto, me encantó Brand New. Recuerdo que para algún blog hice un ranking de álbumes de bandas en esta escena, y creo que fue en 2014, 2015, y puse a Deja Entendu en el No. 1. Así que de ahí vengo con esto. Pero si Brand New volviera a estar juntos ahora, no iré a ese espectáculo.

¿Cuánto de Deja Entendu y el lugar único que ocupa este álbum entre los fanáticos de este momento es que fue tan grande como podría llegar a ser sin realmente cruzarse? Se siente como un lanzamiento icónico de su período de tiempo, pero no hubo éxitos reales del álbum, no llegó a esa conciencia más amplia: Jesse Lacey no era una estrella del pop, ¿se siente como algo más grande? que los niños emo todavía pueden decir que es completamente suyo?

Sí. Como, "Tan grande como puedas en la escena sin cruzar" realmente se siente como una forma adecuada de describirlo. Y creo que mucho de eso es por qué los niños de la escena, incluso en la década de 2010, con suerte terminaron con las acusaciones, por qué los niños tenían esta música tan cerca de ellos. Porque todavía se sentía como si fuera de ellos. Mientras que una banda como Fall Out Boy o MCR saltó al estrellato pop, Brand New nunca lo hizo. Sin embargo, en el momento en que anunciaran una gira, se agotarían.

Sabes, con el libro, otra cosa que escribo, es que realmente espero que este libro no traiga más dolor a aquellos que fueron heridos por Jesse Lacey. Brand New, para contar la narrativa, tenía que ser incluido. Pero solo espero no haber traído más dolor a la vida de nadie.

Estoy seguro de que todavía se tocan con mucha frecuencia en las noches emo y, en general, durante los momentos de nostalgia de los grandes grupos. ¿Crees que ha habido algún tipo de ajuste de cuentas con las relaciones de las personas con Brand New, cuando se trata del fanático promedio? ¿Hay una vibra diferente ahora cuando suceden esos momentos de canto? ¿O es: "No, estos fueron los himnos de nuestra juventud y no queremos ponerles ese peso extra?"

Para mí, cuando esas cosas aparecen en un entorno muy público, no me interesan. Creo que, lamentablemente, a mucha gente no le importa o simplemente no lo sabe. Creo que al trabajar en la industria de la música, es fácil olvidar que la experiencia de muchas personas con la música es simplemente transmitirla en Spotify. Y estas personas no están leyendo Wikipedia o manteniéndose al día con las noticias o incluso manteniéndose al tanto de nada específico sobre el artista. Probablemente mucha gente, las canciones de Deja son las canciones que aparecen a veces en las listas de reproducción emo en Spotify. Y probablemente mucha gente ni siquiera esté al tanto de la situación de Jesse Lacey.

Creo que básicamente tomaron la cosa hardcore de la que estaba hablando antes, con hacer pop hardcore, básicamente lo llevaron tan lejos como podían llegar y todavía tenían música hardcore. Más allá de "Sugar, We're Goin Down", tenía que ir a otro lugar. Lo llevaron tan lejos como pudieron en esa dirección. Y Fall Out Boy se fue a otro lugar, con Infinity on High. Pero solo recuerdo haber pensado que era genial en ese entonces decir: "Vaya, esta es una canción hardcore a la que puedes enfrentarte, pero está en Z100 constantemente". Y fue como, "Oye, este es el desglose aquí mismo, esta es la parte realmente pesada, en realidad es un poco secretamente pesada... es una locura que en realidad esté en Z100, no solo un poco, sino mucho. "

Pete Wentz es una figura en tu libro que se remonta a mediados de los 90, en Racetraitor in Chicago. ¿Fue el éxito de Fall Out Boy solo una cuestión de que Wentz conociera a alguien en Patrick Stump que tenía el tipo de talento vocal para ejecutar su visión?

Patrick es tan importante. Sí. Está esto: es muy divertido lo extravagante que es Pete cuando habla de estas cosas. Hay una cita en el libro donde Pete dice: "Antes de conocer a Patrick, me sentía como un pintor mirando un lienzo en blanco, pero todo lo que podía hacer era pintar con los dedos, y luego conocí a Patrick y él me mostró el camino..." Pero es cierto, porque al igual que Pete tuvo la visión, Pete ya era una celebridad menor dentro del hardcore. Pero Pete no es realmente un cantante. Es un buen frontman como frontman hardcore, gritando, pero no es cantante. Y es un muy buen letrista. Entonces, como tantas bandas o éxitos creativos, es una asociación de dos. Y eso es lo que son Stump y Wentz: estaban completamente entrelazados, simbióticos, llenaron los otros lados y eso fue todo. Eran el dúo perfecto.

Es curioso cómo los VMA siguen apareciendo a lo largo de su libro, es una especie de sustituto de todos los espectáculos de premios y aceptación de la industria, pero están nominados para el premio MTV2 en 2005 contra My Chemical Romance. Y ganan, y es sorprendente para mucha gente, pero suben y agradecen a MCR como parte de ello. Y hay una cita de Andy Greenwald en el libro acerca de que las dos bandas están más o menos juntas, pero también que no están juntas, usándose a sí mismas como varas de medir la una para la otra. ¿Cuál crees que es la dinámica entre esas bandas a medida que se convierten en las bandas definitorias del emo a mediados de los 2000?

Bueno, también en esa parte, Andy dice: "Este fue un momento en el que sus agendas se alinearon". Lo cual creo que es una muy buena manera de decirlo. Quiero decir, Fall Out Boy ganando ese premio y gritando MCR fue súper indicativo del ambiente de la escena en ese entonces. Donde estaba todo, "¡Apoye la escena!" Y mucho de eso es serio, ¿sabes? La escena era en muchos sentidos esta cosa insular, que se volvió muy popular, pero aún así es esta cosa insular, este club de contracultura que de alguna manera se volvió mucho más grande de lo que nadie pensaba. Y parte del espíritu de esto fue gritar a las otras bandas, cantando sus alabanzas.

Este fue uno de los géneros en los que es común ver a los artistas actuando, pero vistiendo una camiseta de la banda de otro artista. Donde la vibra es como, "Sí, mi banda es genial, pero también lo es esta otra banda". Y ya sabes, creo que MCR siendo gritado por Fall Out Boy es como un buen ejemplo de esto. Y creo que en este momento, las bandas son definitivamente amigables. Sería bastante enfermo verlos irse de gira juntos. Logísticamente, no sé si eso sería realmente factible. Porque ambos son grandes, pero de maneras bastante diferentes. Creo que por eso me resultaron tan fascinantes como co-protagonistas del libro.

¿El último sencillo cruzado perfecto de emo-pop de los 2000: "Sugar, We're Goin Down" o "The Middle"?

Quiero decir, "The Middle" cambió mucho mi vida. No puedo decir nada más que "el medio".

Así que sé que probablemente las masas ahora ven "I Write Sins Not Tragedies" como The Big Panic Song, al menos en A Fever You Can't Sweat Out, su álbum debut. Pero, los de verdad lo saben, esta fue la primera canción que hizo olas en Internet. Era "Hora de bailar". "I Write Sins" no estuvo disponible hasta que salió el álbum. "Time to Dance" fue la primera demostración de Panic!'s que salió en línea, una vez que Wentz comenzó a promocionarlos. Fue la canción que comenzó todo para ellos. Y si los hubieras visto en esa era, definitivamente hubieras obtenido una de las mejores respuestas de ese álbum.

En muchos sentidos, solo después de haber vivido todos estos años, ¡esta era de Panic! se siente tan genial y único para mí. Porque para mí, se siente como el primer artista superestrella que vino puramente de Internet. Fever se siente como ese álbum, y lo primero que salió de ahí fue "Time to Dance".

La otra cosa interesante, que va de la mano con esto: alguien habla en su libro sobre cómo Panic! fueron como la primera banda de este momento que no estaba pensando en absoluto en "¿Cómo vamos a tocar estas canciones en vivo?" Porque ellos realmente no hicieron la aparición en la escena, pagando sus cuotas en vivo. Así que pudieron pensar más en estas canciones, imaginarlas de una manera que no necesariamente habría sido traducible en vivo: cambios de ritmo, instrumentación adicional, no el tipo de cosas que cuatro personas en un lugar pequeño necesariamente pueden recrear por su cuenta. . Pero hace que las canciones, y esta en particular, se sientan muy expansivas musicalmente.

Sí, este álbum, y simplemente Panic! como algo que se estaba volviendo grande y cabreaba a tanta gente en ese entonces. Quiero decir, porque en realidad nunca antes habían estado de gira, y firmaron y se volvieron inmediatamente grandes, y no "pagaron sus deudas", porque tocaron en vivo con muchas pistas de acompañamiento, porque había toda esta instrumentación adicional en el álbum, eran súper polarizantes. Todo el mundo tenía una opinión sobre ellos. Eran como un pararrayos para todo.

Pero ahora parecen súper adelantados a su tiempo.

Un poco por accidente. Porque no creo que hayan hecho el álbum diciendo: "Necesitamos hacer que las pistas de acompañamiento sean aceptadas en la escena; la escena ha estado en contra de la instrumentación adicional en vivo durante demasiado tiempo, ¡necesitamos normalizar las pistas de acompañamiento!" No creo que esa fuera la intención. La intención era que no supieran nada mejor, porque nunca antes habían estado de gira. Y debido a que GarageBand acababa de salir en las nuevas MacBooks, eso les dio la tecnología básica para hacer estas canciones que antes básicamente necesitabas tu propia banda humana de gente tocando en un garaje para hacer eso.

¿Crees que el papel en la visión original de la banda que interpretó Ryan Ross se pierde en la historia ahora que Panic! ¿Es principalmente Brendan Urie?

Oh, totalmente. Y me gusta mucho tratar de enfatizar la importancia de Ryan Ross en el libro. Porque Ross era el letrista principal de Fever, y muchas de ellas eran letras realmente personales sobre su tumultuosa relación con su padre y la lucha de su padre con la adicción. Siendo fanático de la banda en ese entonces, definitivamente se sentía mucho más como una banda. Como, Brendon Urie era famoso hasta cierto punto, porque era el cantante, pero sabías como... ¿todos sus nombres? Recuerdo que fue un gran problema cuando Brent, el bajista original, fue expulsado de la banda. Así que la era Fever de Panic! fue definitivamente un esfuerzo de grupo, y Ryan Ross como el letrista principal, y un gran colaborador con Brendon... no puedes subestimar la importancia de Ryan.

En muchos sentidos, Black Parade se siente como la consumación de todo con este libro. MCR básicamente lo llevó tan lejos como pudo, ¿sabes? Como, el álbum más ambicioso que realmente podrías concebir de una banda de su calaña. Y lo clavaron. Esta fue la canción que finalmente hizo que el típico fanático del rock clásico, el que odia a los emo, dijera: "¿Sabes qué? MCR, están bien, porque tienen esta ópera rock y me recuerda a Queen y Rolling". Stone me dice que está bien".

Pero entonces es como, ¿qué viene después de eso? Nada. Es difícil pensar en alguna banda que realmente intentara imitarlo o estafarlo, porque era tan intocable. Fue como, "¿Cómo intentas estafarlo?"

Uno de mis temas recurrentes favoritos en su libro es el de otros artistas que hablan sobre My Chemical Romance y dicen: "Pensamos que éramos bastante buenos, pensamos que nuestro álbum era compacto, y luego escuchamos Three Cheers o escuchamos Black Parade y eran como, 'Ah, joder. Nos ganaron'".

Sí, algunas buenas citas de Taking Back Sunday sobre eso en el libro. Así que sí, estoy seguro de que definitivamente puso celosas a algunas bandas cuando salió. Pero es difícil pensar en alguien que incluso sónicamente, estéticamente, haya intentado imitarlo. Y definitivamente nadie lo superó.

Creo que, al igual que con la próxima ola de emo, como las cosas de avivamiento, tiene sentido ahora, mirando hacia atrás, muchas de esas cosas comenzaron a aparecer en 2007, 2008, 2009, los años inmediatamente posteriores a Black Parade. No porque estuviera realmente influenciado por Black Parade, sino solo porque la corriente principal emo: si eres un músico ambicioso que está realmente interesado en estas cosas, ¿a dónde vas después? Me imagino que para el 2007, realmente no estás pensando en superar a Gerard Way o Pete Wentz. Esto fue en la época en que la gente comenzaba a descubrir o redescubrir el fútbol americano, como, "Hagamos esos riffs centelleantes y veamos hasta dónde podemos llegar".

Parece más alcanzable, tal vez.

Creo que también muchos músicos estaban más interesados ​​en algo que sintieran que podían tocar. Eso se sintió un poco más accesible, más comunitario. No es que Black Parade no lo sea, pero ya sabes, algo que ellos y sus amigos tal vez podrían lograr en un espectáculo en casa.

Cuando la gente mire hacia atrás al emo dentro de 30 años, ¿crees que Black Parade será el primer álbum en el que piensen?

Sí. Yo diría que sí. Quiero decir, es ahora. Incluso si no es tu álbum favorito de la era, es un poco difícil argumentar en contra de que sea el pináculo de la era, para el momento principal del emo.

Solo estaba hablando de cómo se sentía como si todo hubiera terminado después de Black Parade, como, "Sí, llevaron el emo-pop tan lejos como pudieron, eso es todo, luego pasó a la clandestinidad". Luego, en 2006, estaba Paramore: eran una gran banda, pero también eran tan grandes como podías serlo en la escena, sin ser grandes fuera de ella. Es gracioso pensar en cómo en el 2006, Paramore y esta otra banda, Cute Is What We Aim For, estaban en Fueled by Ramen, y probablemente ambas eran bandas del mismo tamaño. No duró mucho más.

Cuando se anunció Riot por primera vez, no estoy seguro de si vi la carátula del álbum primero o escuché "Misery Business", pero recuerdo haber dicho: "Sí, obviamente". Porque todo el mundo pensó que la banda sería enorme, solo era cuestión de cuándo. La primera vez que los vi fue detrás de All We Know Is Falling, el primer álbum. Y recuerdo que había niños de secundaria en el espectáculo. Lo que viste un poco en ese entonces, pero la base de fans era aún más joven. Y tenían letras impresas con ellos: niños que traían las letras impresas para cantar. Y habló de cuánto de una base de fans diferente estaba aprovechando la banda: niños más pequeños y, obviamente, mujeres jóvenes.

Porque ir a los espectáculos en ese entonces era totalmente común que la mitad de la multitud, o más de la mitad de la multitud, fueran mujeres jóvenes. Las chicas son una de las razones por las que la escena creció tanto, y es bastante ridículo, incluso confuso, pensar por qué no había una gran superestrella femenina en esa escena hasta Paramore.

Ni siquiera una superestrella: esta es la canción número 13 de la que hablamos, y Hayley Williams es la primera mujer de cualquier tipo de la que hablamos, al menos como intérprete. ¿Eres de la opinión de que estas bandas lideradas por mujeres, o estas mujeres en bandas estaban ahí, pero no estaban recibiendo el apoyo de la escena o de los sellos o incluso de los fans que tenían sus contrapartes masculinas? ¿O crees que estaban algo desanimados por el hecho de que la escena estaba tan dominada por los hombres, y que ni siquiera había tantas chicas en las bandas intentándolo en primer lugar? Si las mujeres estaban tan bien representadas en la audiencia, ¿por qué tan pocas subían al escenario?

Todavía no tengo la respuesta a eso. Si tratas de que te guste, piensa en la fuente de esto, y piensa en las primeras bandas tragamonedas en un festival como Bamboozle o Warped, o en las bandas de bebés que firmaron con un sello de gran escena como Victory o Fueled by Ramen... simplemente había No hay mucha presencia femenina en nada de eso. Así que apesta, pero no recuerdo a tantas mujeres en bandas en ese entonces, antes de Paramore. simplemente no

No solo era endémico del emo. Si nos fijamos en los tres grandes momentos del rock de la década del 2000, entre el emo, el nu-metal y la nueva revolución del rock, todos tienen exactamente una banda liderada por mujeres en su nivel A. Entonces, ¿fue solo una especie de rock de la década de 2000 en general, y tal vez el emo se enfoca más debido a los enfoques líricos de esas bandas y algunos de sus comportamientos problemáticos fuera del escenario?

Creo que también obtiene legítimamente algunos de los enfoque adicional porque el emo estaba tan entrelazado con el hardcore, y puedes rastrearlo hasta Ian MacKaye y Revolution Summer y los problemas sociales progresistas de izquierda. Es por eso que creo que es justo: deberíamos someter a todos los géneros a escrutinio para esto, obviamente, pero creo que es justo someter a escrutinio un poco más al emo. Porque si rastreas el género, profesaba ser inclusivo.

Solo para volver a "Misery Business": tengo curiosidad por saber qué piensan los fanáticos de la escena y más reales de Paramore sobre esta canción. Obviamente, la banda tiene una relación bastante complicada con él, Hayley incluso dijo que iban a dejar de tocarlo, al menos por un tiempo, porque tiene una dinámica de género regresiva. Y tampoco creo que sea una canción que realmente demuestre lo bueno de la banda, al menos en comparación con algunas de las otras canciones de este álbum y sus éxitos posteriores. Pero sigue siendo una parte destacada de su catálogo. ¿Es ese el verdadero fanático también, o tienen una relación mixta con él?

Creo que muchos fanáticos de Paramore definitivamente tienen una relación mixta con eso, por lo que dijiste sobre la evolución de Hayley con su relación con las letras a lo largo de los años. Por lo que he observado, la canción favorita de los fanáticos más común de este álbum parece ser "Eso es lo que obtienes". Mi favorito es "CrushCrushCrush". Pero sigo pensando que "Misery Business" es una de las tres o cuatro canciones más fuertes del álbum. Y lo que estaba diciendo antes sobre MCR y Black Parade, no creo que Riot necesariamente haya llevado el género sónicamente a un nuevo territorio. Pero es un álbum de rock excepcional de una voz que la escena necesitaba desesperadamente.

Entonces, con el libro, realmente quería arrojar luz sobre los elementos de esta escena que sentí que se habían perdido en las grietas de la historia. Y uno de los más grandes fue cuán cristiana era esta escena. Era muy común escuchar a las bandas decir: "No somos una banda cristiana, pero somos cristianos en una banda. Nuestra fe es muy importante para nosotros". En ese entonces, era como, "Bueno, algunas bandas en la escena son de vanguardia, algunas son veganas, oh, esta banda es cristiana". Fue solo una de esas cosas, uno de esos clasificadores, para una banda que surgió en emo o post-hardcore.

Underoath eran representantes de solo un contingente masivo de bandas cristianas y pseudo-cristianas en esta escena. De la cual Paramore fue parte en esta era. Paramore amaba a Underoath. Fueron una gran influencia en su debut, All We Know Is Falling. Y Paramore, especialmente los hermanos Farro, especialmente Josh, estaban en la categoría de "Christians in a Band".

Cuando hablas de los fans de Underoath, ¿eran en su mayoría también fans de la banda por su tipo de cristianismo devoto? ¿O fue algo incidental al paquete, y tal vez muchos de ellos ni siquiera se dieron cuenta?

Fue una mezcla. Y algunas personas, definitivamente había niños de grupos juveniles, que dirían: "Oh, me encanta Underoath y Norma Jean y Emory y Mewithoutyou, porque quería estar en esta música, pero las bandas cristianas eran todo lo que mis padres me permitían". ¡Escúchame!" Así que estaban esos niños del grupo de jóvenes, y luego estaban los niños que no tenían idea de a quién le encantaba porque era como música pesada que sonaba realmente como en ese momento.

Hay una canción, la última canción de este álbum fue escrita por el cantante de una banda llamada Copeland, o co-escrita, donde cantan sobre Jesús por su nombre, y es obvio. Pero aparte de eso, creo que nadie lo descifraría jamás.

Una de las partes más divertidas de su libro, y en cierto modo también triste, es la relación antagónica que tienen con Fat Mike de NOFX. Tu libro tiene una gran clase de villanos incidentales, y Fat Mike parece una especie de reliquia de otra era, que no entiende del todo lo que está pasando con estas bandas, pero se ve obligado a interactuar con ellas porque Vienen de diferentes partes del universo punk. ¿Y hace una broma sobre uno de los miembros de la banda en el escenario que tal vez rompe la banda por un minuto?

[Risas.] Sí. Esa fue una de esas cosas, esa cosa de Fat Mike / Underoath, donde si fueras como un niño de escena leyendo AbsolutePunk y Alternative Press todos los días, esto era tal cosa. Ahora está olvidado, pero realmente significó mucho para mí resaltar estas cosas. Era algo así en ese entonces, y era tan emblemático de esta era, de las bandas de la escena, la ola de cosas de Fall Out Boy / MCR, que eran enormes en Warped Tour. Enorme en general, pero Warped Tour era más o menos el lugar donde estos mundos chocarían. Como las bandas de skate punk de los 90, donde Fat Mike era la realeza de esa multitud, que se unían a esta generación más joven que se estaba volviendo mucho más grande que ellos en Warped Tour y, a menudo, atraía multitudes mucho más grandes. En 2006, Warped Tour estaba saliendo de su mejor año, donde Fall Out Boy y MCR lo superaron todo. Así que Kevin Lyman quería fichar a muchas más bandas de punk y, sin darse cuenta, una de ellas casi acaba con Underoath.

Fue una especie de cruce forzado en este espacio como Warped. Porque de lo contrario, bandas como Underoath y bandas como NOFX habrían estado en el CD de compilación de Warped Tour, o ambas habrían sido cubiertas en Alternative Press, pero hubo poca o ninguna superposición en su base de fans. A casi todos mis amigos a los que les gustaba esta música les gustaba Underoath, pero no conocí a nadie que escuchara NOFX.

Esta canción fue enorme. Se hizo enorme de una manera realmente improbable. Fue en su álbum The Papercut Chronicles, que básicamente suena como The Roots pero emo. Salió justo antes de que Fall Out Boy se convirtiera en superestrellas, a principios de 2005. Y luego fue una de esas cosas en las que la escena se hace más grande, Fall Out Boy, que había descubierto y puesto en Gym Class Heroes, se hacen mucho más grandes. Así que hay una plataforma más grande para su siguiente álbum. Pero es esta vieja canción la que se pone de moda en la radio.

Es una historia muy de 2023, en realidad...

Sí, ahora hay muchos paralelismos con el tamaño de "Cupid's Chokehold". Probablemente alcanzó su punto máximo de popularidad dos años, dos años y medio después de su lanzamiento, pero ya era el próximo ciclo de álbumes. Es como si esta vieja canción de un álbum anterior usurpara el sencillo principal del nuevo álbum, que se suponía que era el más grande.

Gym Class Heroes probablemente tiene mejores canciones: "Taxi Driver" es la que yo diría, la verdadera canción del fenómeno MySpace de Gym Class Heroes. Pero esta canción fue enorme, y creo que es algo genial en retrospectiva, cómo había un rapero negro al frente de una banda en este mundo que todavía era en este punto súper blanca. Aparte de Wentz, no hubo mucha interacción con el mundo del hip-hop. Y cuán grande se hizo esta canción, durante algunos años cuán grandes fueron Gym Class Heroes, salir de esta escena fue genial.

Hablas de que la audiencia se dividió de manera bastante uniforme en términos de género en este punto de la historia emo; probablemente todavía era mayoritariamente blanca en términos de audiencia. Pero había fanáticos del emo negro, e incluso entrevistaste a algunos de los más destacados en tu libro. ¿Se pasa por alto esa parte de la escena emo, o era realmente una minoría tan pequeña en ese momento?

Quiero decir, desafortunadamente, todavía era bastante blanco. Afortunadamente, se ha vuelto un poco más diverso desde entonces, pero en ese entonces era una escena extremadamente blanca. Definitivamente creo que Gym Class Heroes abrió la mente de la gente a más cosas. Recuerdo haber visto a la banda de mi amigo Greg como teloneros de la clase de gimnasia en el Stone Pony en el 2005. Y recuerdo que Travie dijo, estoy parafraseando aquí, "¡Levanta la mano si realmente no vibras con la música hip-hop de hoy!" Creo que lo que quería decir era que su banda tenía un enfoque más indie, una especie de rapero mochilero. Y probablemente pensó que muchos de los niños no estaban al tanto de lo que estaba pasando con el rap en ese momento. Lo cual es probablemente cierto.

Pero creo que hizo un buen trabajo al empujar a algunos niños a sacar más música rap. Quiero decir, definitivamente hizo que me interesara un poco más. Todavía escuchaba en gran parte nada más que bandas de escena, pero compré Papercut Chronicles. Y ahora que lo pienso, ese probablemente fue el primer CD de rap que compré.

Entonces, supongo que este es el gran número de cierre de la década emo.

Sí, y hablando con algunas de las personas como Gabe Saporta, que participó como invitado en la canción, y Alex DeLeon de esta banda The Cab, definitivamente se sintió así, me dijeron, en ese momento. Estaba escrito en la pared que este sería el último álbum de Fall Out Boy, al menos por un tiempo. Y sí, es bonito para ellos escribir una canción como esta e incluirla en el álbum.

Tener partes invitadas en la gran parte final de la canción de todo el círculo de Pete Wentz y los registros de Decaydance cantan pequeños fragmentos de viejas canciones de Fall Out Boy en sucesión, rastreando su estrella... la canción que canta William Beckett de The Academy Is es una canción llamada "Growing Up", que incluso es anterior a Take This to Your Grave, por lo que se remontan mucho tiempo atrás. Y dado que Folie a Deux se malinterpretó un poco cuando salió, y no fue un gran fracaso, pero fue un fracaso suficiente para detener la trayectoria ascendente de Fall Out Boy, definitivamente parece un paralelismo con la escena en general, en el momento en que llegamos a 2008. Las cosas ya no estaban en alza y se estaban agotando.

¿Siempre iba a ser este el punto final, en este momento determinado? Si Folie a Deux hubiera sido diferente, si las cosas hubieran sido diferentes para una o dos de estas otras bandas, ¿crees que el emo podría haber mantenido su relevancia durante la mayor década, en ese tipo de forma? ¿O su tiempo en el centro de atención estaba destinado a terminar cuando lo hizo?

Sí, eso creo. Porque incluso a lo largo de esta era, desde el final de la década de 2000 hasta la década de 2010, Paramore seguía siendo enorme, tenían un par de sus mayores éxitos. ¡Pánico! todavía estaban juntos. Y algunas otras bandas como Cobra Starship y Gym Class tuvieron algunos de sus mayores éxitos.

Sin embargo, la mayoría de esas bandas se están alejando del emo en ese momento. Ninguna de esas bandas todavía suena realmente como emo cuando logran estos grandes éxitos.

Sí, pero seguían siendo bandas que tenían sus raíces, y gran parte de su base de fans era cualquiera que fuera la versión de scene kids de 2009 o principios de 2010. Así que todavía había algunas bandas de ese mundo que tenían mucho éxito. Pero aun así, parecía que el emo como cultura, como movimiento, ya no estaba en la corriente principal. Incluso con los éxitos del pop a su favor, sin importar qué, había seguido su curso como la definición de la cultura juvenil genial. Bueno, no sé si es cool, pero… como una cultura juvenil definitoria de la época.

Creo que este fue un momento en que EDM, para niños pequeños, se hizo cargo de ese territorio de alguna manera. Y en lo que respecta a la música rock, el indie rock y los blogs se apoderaron de parte del otro territorio. Y luego creo que mucho de eso es como que los niños crecen. Algunos niños simplemente no encuentran una gran cosa musical nueva, simplemente se involucran realmente en su trabajo. O juegos. O simplemente algo más, ¿sabes?

Si pudiera incluir una canción más en esta lista que esté fuera de la línea de tiempo de su libro, desde 2009 hasta el presente. ¿Cuál sería la canción, o algunos de los principales contendientes para las canciones que mantienen encendida la llama emo en los años posteriores?

Mmm. Es esa canción de Lil Peep que dice, [canta] "Cocaína, navajas... GothBoiClique hacen..." Esa canción. Pero sí, pienso mucho en qué: además de que MCR se reúna nuevamente y los legados de estas grandes bandas, pienso mucho en lo que hace que esta música aún se sienta relevante, interesante, un espacio no solo para la nostalgia sino también para el crecimiento artístico. ahora, son cosas como GothBoiClique, especialmente Lil Peep, porque era, con mucho, el más grande de ese grupo.

Entonces, ¿a los niños de la escena les habría gustado Lil Peep?

Si, exacto. Como, la versión de mediados de la década de 2010 de lo que era como un superfan de MCR que se metió en ellos porque, como el video de "Helena" en el 2005, 10 años después, ese niño habría estado en uno de esos shows de Lil Peep.

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